Maryam Eisler es una fotográfa orignaria de Londres. Su trabajo esta centrado en lo Sublime de lo Femenino, representado por Tristan Hoare en Londres y en Harper en Nueva York. Maryam se ha presentado en Photo London, en la Feria de Arte de Dallas, Unseen Amsterdam, Space Gallery St Barth, Bermondsey Project Space y en Art Marbella. Maryam es editora en Lux Magazine y ha colaborado con Vanity Fair ( 'On Art' – UK), Harpers Bazaar Art, Harpers Bazaar Interiors y Vogue Arabia. El libro de Maryam Voices: East London, del cual es autora y fotografa, fue publicado en 2018.
Emiliano Gironella estudió artes visuales en la Interlochen Arts Academy de Michigan, EUA. Él recurre al grabado, tallas directas sobre madera, esculturas en bronce y vaciados en metacrilato. Heredero de un legado de artistas, sus temas han fluctuado entre tauromaquias, influencia de su padre, Alberto Gironella, homenajes a artistas contemporáneos, hasta su preocupación actual: los estragos causados en el tejido social mexicano a raíz de la violencia vivida en el país.
Alfredo De Stéfano nació en Monclova, Coahuila, ciudad del noreste de México ubicada en medio del desierto. Estudió la licenciatura en Comunicación y Mercadotecnia por la Universidad Autónoma de Coahuila (UA de C) y es un fotógrafo autodidacta.
Es considerado uno de los fotógrafos conceptuales contemporáneos más importantes de México. Su pasión es el paisaje y específicamente el del desierto, panorama que ha recorrido infinidad de veces fotografiándolo e interviniéndolo. Entre sus series fotográficas destacan: De parajes sin futuro (1992), Vestigios del paraíso (1996), Habitar el vacío (2002) y Breve crónica de luz (2006); todas ellas con libros o catálogos.
En su haber se encuentran más de noventa exposiciones, entre individuales y colectivas, y su trabajo se ha expuesto en los cinco continentes así como en diferentes ciudades del mundo como París, São Paulo, Nueva York, Washington, Madrid, Londres, Bogotá, Lima, Buenos Aires, entre otras. Sus fotografías han aparecido en numerosos libros y revistas y su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas de México y el extranjero.
Su trabajo es representado por diferentes galerías de México, Estados Unidos y Brasil; es común ver su obra en ferias de arte como Paris Photo, Zona MACO o Art São Paulo, por mencionar algunas. Desde el 2008 es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA.
Antonio Rojas es un pintor español nacido en 1962 en Tarifa (Cádiz). En 1993 recibe la Beca de la Academia Española de Historia, Arqueología y Bellas Artes de Roma. Tiene un estilo geométrico que evoca la metafísica del italiano Giorgio de Chirico, lo cual nos remite a múltiples dimensiones. Incorpora en sus composiciones un constructivismo que nos recuerda a Malevich, logrando una deconstrucción surreal a través del cono, la esfera y el cuadrado.
Tiene en su haber numerosos reconocimientos entre ellos, la Medalla de Oro de la Exposición Nacional de Artes Plásticas de Valdepeñas y el Premio Unicaja de Málaga. Ha expuesto en diversos espacios museísticos como Museo de Arte Contemporáneo Infanta Elena, Museo de Teruel, Museo Provincial de Ciudad Real y el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente en Segovia. Hoy, tenemos el privilegio de exhibirlo online, y muy pronto de manera presencial en Flux Zone Gallery.
Angelo Cricchi nació en Roma, Italia. Después de una larga carrera como atleta profesional, sus pasiones se volcaron hacia la fotografía. Se volvió un exitoso fotógrafo de moda de destacados clientes internacionales, celebridades y para revistas, Cricchi creó su propia compañía: Lost and found Studio. Su trabajo fotográfico artístico fue paralelo a su carrera de fotografía comercial, desde 2001 comenzó a hacer cortometrajes y películas de moda. Después de la exposición "Gloomy Sunday" en MAK en Viena (2009) dejó su posición como fotógrafo de moda para darse cuenta de su pasión y talento en la fotografía de bellas artes. Sus obras han sido expuestas en instituciones públicas y privadas en Italia, Austria, Alemania y Holanda. Angelo Cricchi vive en Roma. Angelo Cricchi es Director Creativo en FLEWID - El libro y Profesor Principal del Departamento de Moda. en "Istituto Superiore di Fotografia e Comunicazione Integrata di Roma".
Una ávida viajera, exploradora de culturas que la llevó a definir sus estilos de expresión y generar sus propios pensamientos y filosofías sobre la forma de expresarse; esto tuvo como resultado que la pintura, la música y la fotografía se volvieran sus actividades más preciadas.
La experimentación continua ha sido una clave importante en su manifestación artística, su incansable uso de texturas y materiales, los cuales normalmente provienen del reciclado y su interés por la biodiversidad y el cuidado del medio ambiente, teniendo siempre como lema el principio ético universal de respetar a la vida, donde en su obra se ve reflejada esta preocupación de concientización al espectador; la búsqueda de plasmar las emociones en las piezas figurativas por las experiencias humanas que han generado armonía o destrucción quedan claras y patentes, en donde sus paletas mantienen la sobriedad del color y la emoción neutral sin juicio sobre la propia humanidad.
Joven artista emergente mexicano, torero de profesión que explora las artes performativas vinculandose con la tauromaquia. Estudioso de Marina Abramovic, busca incorporar al performance las experiencias de sonido y luz para generar una provocación de sentidos.
Su educación ha sido influenciada por la Bauhaus y el nuevo estilo tipográfico suizo. Estudió en la Escuela de Arte de Basilea. Posteriormente completó una Maestría en Bellas Artes en la Escuela de Diseño de Rhode Island en Providence. Durante varios años ha vivido y trabajado en Nueva York, y al regresar a España continuó sus estudios de fotografía, completando una Maestría en Arte en Fotografía en el Instituto Europeo de Diseño en Madrid (IED), y numerosos talleres internacionales de fotografía.
Algunos de los espacios más destacados donde ha mostrado su trabajo son: RISD Museum of Art, Providence; Venecia Arsenale; Festival PhotoEspaña, Madrid; Fundación Valentin de Madariaga, Sevilla y CCDJ, Ibiza.
Joachim Hildebrand comenzó su carrera como fotógrafo independiente para agencias de prensa y fotografía. Al mismo tiempo, estudió ciencias económicas en Frankfurt am Main. Tras completar su doctorado y quince años en el mundo empresarial, se dedicó a la fotografía y estudió en el Instituto Europeo di Design de Madrid, Elger Esser, Joan Fontcuberta y Martin Parr. Desde entonces ha trabajado internacionalmente en diferentes proyectos personales.
Suele retratar lugares públicos y espacios urbanos o suburbanos en los que la gente vive, trabaja o pasa su tiempo libre. Lo que parecen es el resultado de decisiones colectivas e individuales. Las personas conforman su entorno, pero al mismo tiempo, también están moldeadas por él. Está particularmente interesado en las cosas hechas por el hombre y en las intervenciones humanas en el paisaje y sus alrededores. Por lo tanto, el entorno construido siempre juega un papel importante en su trabajo.
Redefinir la conversación y dar un paso más allá, transformándolo en un ámbito de diálogo, pero también de conflicto, entre artistas que compartirán espacio, cara a cara, bajo el subyugante y enigmático título de esta muestra. Esta muestra marcará una zona diferenciada de simbiosis, estímulo, contacto y fricción.
En el Umbral de la Catástrofe es una propuesta estética-política en donde los artistas se comprometen con la profunda problémática que nos aqueja: el cambio climático.
Estos artistas proponen una mirada a las formas ancestrales destacando las cosmogonías de las tradiciones orales del agua y de la tierra, así como formas de cultivo, como el arado con animales, marcando así los ritmos de la vida y de la muerte. Retoman, junto con enseñanzas de los viejos sabios, el verdadero entendimiento marcado por los astros, que resuena, como eco magnético en paisajes y marinas.
Como lenguaje plástico estos artistas abrevan de la abstracción matérica de Tápies, quien influyó de manera radical marcando un parte-aguas en la obra de Sergio Hernández, Paloma Torres, Guillermo Olguín, Guillermo Pacheco y quizá en Carlos Génova. La abstracción semi-matérica, como lenguaje, ha sido fuente de inspiración en las expresiones de estos artistas . Tal término alude, en realidad al procedimiento técnico de inclusión de materiales orgánicos en la capa pictórica, imitando el aplanado agrietado de un muro.
Encontramos en esta mirada, signos que no se prestan a la fácil lectura, pertenecen sin embargo a los códigos de uso mas generalizado: al alfabeto o a la aritmética, cuando el grosor suculento del empaste sugiere la materia, donde las composiciones matéricas, invitan al goce sensual del tacto, elemento fundamental y constante en estas obras. Estos artistas trabajan directamente la materia y pintaban con polvos orgánicos tamizados, recordando que quizá, confundirse con el polvo es la identidad profunda de todos.
¿Cuál es la propuesta? Acaso será volver a los ritmos de la tierra, a sus ecos, a sus polvos, a su materia, a su energía biológica y cósmica que marcan los balances entre el quehacer del hombre y la naturaleza. Estos artistas re-toman el péndulo como metáfora para entender el engranaje cíclico que articula la práctica pictórica. Lanzada al movimiento, esta atracción gravitacional devuelve el enfoque que los artistas en conjunto recurren a preguntas a medida que se mueve entre diversos entornos, formatos y contextos, llegando cada vez mas a respuestas abiertas.
El enfoque principal del trabajo de Maryam Eisler es el feminno sublime enfocado a todos los roles de las mujeres. Una juego entre luz y sombras domina su trabajo conforme retrata los paisajes y el espacio. En esta serie se sintió atraída por la relación entre Edward Weston y Tina Modotti en su aventura en Mexico. Eisler obtuvo su inspiración de una vista al hogar de Weston, donde pudo imaginar la forma como vio a Tina en la cúspide de su romance entre amor, pasión y confianza. Aquí representa como musa, colaboradora, compañera y amante, mostrándole en sus diferentes roles, una mujer magnifica en su propio derecho.
Los Parra-Gironella es un collage familiar, una exposición donde se observan los ecos y correspondencias de un linaje. En ella se reúnen las obras de cuatro generaciones de artistas mexicanos con estéticas distintas: Manuel Parra, Alberto Gironella, Carmen Parra y Emiliano Gironella. El propósito de esta exposición es reflexionar en torno a las múltiples perspectivas generadas en sus obras donde confluye un diálogo creativo que va más allá del vínculo familiar. Algunas correspondencias compartidas entre estos artistas, deriva en su posición crítica hacia acontecimientos y personajes de la historia contemporánea, la expresividad gestual, a veces barroca, que aplican en su quehacer artístico y la estética que crean a partir del collage y el ensamblaje de formas, imágenes y objetos.
Sin hacer referencia a lugares específicos transformándolo en un ámbito de diálogo, encontramos en la mirada de Vanessa Velib, signos que pertenecen a los códigos de uso más generalizado: al alfabeto cuando el grosor suculento del empaste sugiere la materia, donde las composiciones, invitan al goce sensual del tacto, elemento fundamental y constante en su obra.
Velib establece una comunión con la naturaleza, rechaza convencionalismos y descubre un lenguaje personal para alcanzar su objetivo, su gusto por la saturación del color, grosor y contornos marcados, creando una red de formas significativas por si mismas.
Hay un tratamiento veloz, violento, apremiante de cambio y metamorfosis. Pintura conocida como “all over”, sin idea previa de composición, sin diferencia entre figura y fondo; en la que cada elemento se confunde con el todo en un espacio sin zonas neutras o vacías. Se distinguen pinceladas rápidas, empastes y franjas anchas de color integradas en diversas direcciones; confirmando el interés de la artista por sugerir-más que la experiencia de la naturaleza- la naturaleza misma del acto de pintar.
Encontramos en su obra ecos del Expresionismo Abstracto ya que mantiene correspondencias estilísticas con Gorky, Pollock, Motherwell, Rothko y Kline quienes manifiestan los estados improvisados del inconsciente, a través de pinceladas y chorreados. En esta gestualidad, Velib seduce de manera definitiva la importancia del movimiento abstracto proponiendo una materialidad generosa donde construye un centro de gravedad dado por el suntuoso color que lo sostiene como metáforas visuales.
Relacionada con el “action painting” Vanessa Velib re-visita con una insólita libertad de formas y colores, los empastes y rasguños, los objetos o sujetos que incorpora a sus composiciones las cuales aparecen como cuerpos en una continua metamorfosis.
Paula Guimaraes vive y trabaja entre Costa Careyes y Lisboa. Su trabajo es conocido por la profunda conexión con los poderes shamánicos y curativos de la naturaleza.
En las culturas originarias se entiende que el saber shamánico se deriva de una epistemología en donde todo lo que existe-las piedras, los árboles, el viento, el mar, los desiertos- está vivo y tiene alma. De esta manera, todos formamos parte de una corporalidad que nos conecta y nos une. El mundo natural está lleno de vida, de espíritus curativos que nos llevan a un despertar ontológico. El canto del pájaro, el crepitar del fuego, el sonido del viento, el rugir de las olas. Esta muestra nos revela el poder shamánico de la madre tierra… Así en estos tiempos extraordinarios en que vivimos, nos parece esencial retomar esa fuerza y sabiduría milenaria..
Este Performance es una obra a contra-corriente; la tauromaquia como fiesta brava es disruptiva. Por lo mismo, Manuel Gaona a través del cuerpo como medio, se da a la tarea de expresar obras de sitio y tiempo donde una estructura fluída se transforma en lenguaje y movimiento; de igual manera como registro, la fotografía y video quedan como huella, como rastro de una poética personalizada.
Al explorar ecos del body art, Gaona explora estados de transición, y se centra en los procesos de cambio: de lo concreto a lo efímero, del interior al exterior, de la oscuridad a la luz, de la vida a la muerte. Las acciones en vivo y las obras sonoras se muestran en diálogo con fragmentos de texto que fluctúan desde lo metafórico a lo literal.
Encontramos en su pintura, ecos de Motherwell, de Kooning y Franz Kline donde la mancha cromática explota y se multiplica, en un despliegue espontáneo que gesta infinidad de posibilidades. Paisaje emocional que va del blanco al negro pasando por los matices grises, juego de espejos de una retina que se desdobla en eclosiones e implosiones.
Knut Pani, quiere mostrar la esencia del gesto emocional y hacer evidente dentro de lenguaje abstracto lo más elemental de la condición humana; el enfrentamiento del hombre a su destino. Enfrentar la superficie en blanco, el vacío al que se quiere llenar de sentido, al estar frente a un abismo sin fondo. El dar significado a la existencia, es el reto del hombre ante la vida y define su conexión con el universo.
Joachim Hildebrand comenzó su carrera como fotógrafo independiente para agencias de prensa y fotografía. Al mismo tiempo, estudió ciencias económicas en Frankfurt am Main. Tras completar su doctorado y quince años en el mundo empresarial, se dedicó a la fotografía y estudió en el Instituto Europeo di Design de Madrid, Elger Esser, Joan Fontcuberta y Martin Parr. Desde entonces ha trabajado internacionalmente en diferentes proyectos personales.
Suele retratar lugares públicos y espacios urbanos o suburbanos en los que la gente vive, trabaja o pasa su tiempo libre. Lo que parecen es el resultado de decisiones colectivas e individuales. Las personas conforman su entorno, pero al mismo tiempo, también están moldeadas por él. Está particularmente interesado en las cosas hechas por el hombre y en las intervenciones humanas en el paisaje y sus alrededores. Por lo tanto, el entorno construido siempre juega un papel importante en su trabajo.
Joachim Hildebrand comenzó su carrera como fotógrafo independiente para agencias de prensa y fotografía. Al mismo tiempo, estudió ciencias económicas en Frankfurt am Main. Tras completar su doctorado y quince años en el mundo empresarial, se dedicó a la fotografía y estudió en el Instituto Europeo di Design de Madrid, Elger Esser, Joan Fontcuberta y Martin Parr. Desde entonces ha trabajado internacionalmente en diferentes proyectos personales.
Suele retratar lugares públicos y espacios urbanos o suburbanos en los que la gente vive, trabaja o pasa su tiempo libre. Lo que parecen es el resultado de decisiones colectivas e individuales. Las personas conforman su entorno, pero al mismo tiempo, también están moldeadas por él. Está particularmente interesado en las cosas hechas por el hombre y en las intervenciones humanas en el paisaje y sus alrededores. Por lo tanto, el entorno construido siempre juega un papel importante en su trabajo.
Alfredo De Stéfano nació en Monclova, Coahuila, ciudad del noreste de México ubicada en medio del desierto. Estudió la licenciatura en Comunicación y Mercadotecnia por la Universidad Autónoma de Coahuila (UA de C) y es un fotógrafo autodidacta.
Es considerado uno de los fotógrafos conceptuales contemporáneos más importantes de México. Su pasión es el paisaje y específicamente el del desierto, panorama que ha recorrido infinidad de veces fotografiándolo e interviniéndolo. Entre sus series fotográficas destacan: De parajes sin futuro (1992), Vestigios del paraíso (1996), Habitar el vacío (2002) y Breve crónica de luz (2006); todas ellas con libros o catálogos.
En su haber se encuentran más de noventa exposiciones, entre individuales y colectivas, y su trabajo se ha expuesto en los cinco continentes así como en diferentes ciudades del mundo como París, São Paulo, Nueva York, Washington, Madrid, Londres, Bogotá, Lima, Buenos Aires, entre otras. Sus fotografías han aparecido en numerosos libros y revistas y su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas de México y el extranjero.
Su trabajo es representado por diferentes galerías de México, Estados Unidos y Brasil; es común ver su obra en ferias de arte como Paris Photo, Zona MACO o Art São Paulo, por mencionar algunas. Desde el 2008 es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA.
Su educación ha sido influenciada por la Bauhaus y el nuevo estilo tipográfico suizo. Estudió en la Escuela de Arte de Basilea. Posteriormente completó una Maestría en Bellas Artes en la Escuela de Diseño de Rhode Island en Providence. Durante varios años ha vivido y trabajado en Nueva York, y al regresar a España continuó sus estudios de fotografía, completando una Maestría en Arte en Fotografía en el Instituto Europeo de Diseño en Madrid (IED), y numerosos talleres internacionales de fotografía.
Algunos de los espacios más destacados donde ha mostrado su trabajo son: RISD Museum of Art, Providence; Venecia Arsenale; Festival PhotoEspaña, Madrid; Fundación Valentin de Madariaga, Sevilla y CCDJ, Ibiza.
Angelo Cricchi nació en Roma, Italia. Después de una larga carrera como atleta profesional, sus pasiones se volcaron hacia la fotografía. Se volvió un exitoso fotógrafo de moda de destacados clientes internacionales, celebridades y para revistas, Cricchi creó su propia compañía: Lost and found Studio. Su trabajo fotográfico artístico fue paralelo a su carrera de fotografía comercial, desde 2001 comenzó a hacer cortometrajes y películas de moda. Después de la exposición "Gloomy Sunday" en MAK en Viena (2009) dejó su posición como fotógrafo de moda para darse cuenta de su pasión y talento en la fotografía de bellas artes. Sus obras han sido expuestas en instituciones públicas y privadas en Italia, Austria, Alemania y Holanda. Angelo Cricchi vive en Roma. Angelo Cricchi es Director Creativo en FLEWID - El libro y Profesor Principal del Departamento de Moda. en "Istituto Superiore di Fotografia e Comunicazione Integrata di Roma".
Joven artista emergente mexicano, torero de profesión que explora las artes performativas vinculandose con la tauromaquia. Estudioso de Marina Abramovic, busca incorporar al performance las experiencias de sonido y luz para generar una provocación de sentidos.
Emiliano Gironella estudió artes visuales en la Interlochen Arts Academy de Michigan, EUA. Él recurre al grabado, tallas directas sobre madera, esculturas en bronce y vaciados en metacrilato. Heredero de un legado de artistas, sus temas han fluctuado entre tauromaquias, influencia de su padre, Alberto Gironella, homenajes a artistas contemporáneos, hasta su preocupación actual: los estragos causados en el tejido social mexicano a raíz de la violencia vivida en el país.
Antonio Rojas es un pintor español nacido en 1962 en Tarifa (Cádiz). En 1993 recibe la Beca de la Academia Española de Historia, Arqueología y Bellas Artes de Roma. Tiene un estilo geométrico que evoca la metafísica del italiano Giorgio de Chirico, lo cual nos remite a múltiples dimensiones. Incorpora en sus composiciones un constructivismo que nos recuerda a Malevich, logrando una deconstrucción surreal a través del cono, la esfera y el cuadrado.
Tiene en su haber numerosos reconocimientos entre ellos, la Medalla de Oro de la Exposición Nacional de Artes Plásticas de Valdepeñas y el Premio Unicaja de Málaga. Ha expuesto en diversos espacios museísticos como Museo de Arte Contemporáneo Infanta Elena, Museo de Teruel, Museo Provincial de Ciudad Real y el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente en Segovia. Hoy, tenemos el privilegio de exhibirlo online, y muy pronto de manera presencial en Flux Zone Gallery.
Maryam Eisler es una fotográfa orignaria de Londres. Su trabajo esta centrado en lo Sublime de lo Femenino, representado por Tristan Hoare en Londres y en Harper en Nueva York. Maryam se ha presentado en Photo London, en la Feria de Arte de Dallas, Unseen Amsterdam, Space Gallery St Barth, Bermondsey Project Space y en Art Marbella. Maryam es editora en Lux Magazine y ha colaborado con Vanity Fair ( 'On Art' – UK), Harpers Bazaar Art, Harpers Bazaar Interiors y Vogue Arabia. El libro de Maryam Voices: East London, del cual es autora y fotografa, fue publicado en 2018.
Una ávida viajera, exploradora de culturas que la llevó a definir sus estilos de expresión y generar sus propios pensamientos y filosofías sobre la forma de expresarse; esto tuvo como resultado que la pintura, la música y la fotografía se volvieran sus actividades más preciadas.
La experimentación continua ha sido una clave importante en su manifestación artística, su incansable uso de texturas y materiales, los cuales normalmente provienen del reciclado y su interés por la biodiversidad y el cuidado del medio ambiente, teniendo siempre como lema el principio ético universal de respetar a la vida, donde en su obra se ve reflejada esta preocupación de concientización al espectador; la búsqueda de plasmar las emociones en las piezas figurativas por las experiencias humanas que han generado armonía o destrucción quedan claras y patentes, en donde sus paletas mantienen la sobriedad del color y la emoción neutral sin juicio sobre la propia humanidad.
Encontramos en su pintura, ecos de Motherwell, de Kooning y Franz Kline donde la mancha cromática explota y se multiplica, en un despliegue espontáneo que gesta infinidad de posibilidades. Paisaje emocional que va del blanco al negro pasando por los matices grises, juego de espejos de una retina que se desdobla en eclosiones e implosiones.
Knut Pani, quiere mostrar la esencia del gesto emocional y hacer evidente dentro de lenguaje abstracto lo más elemental de la condición humana; el enfrentamiento del hombre a su destino. Enfrentar la superficie en blanco, el vacío al que se quiere llenar de sentido, al estar frente a un abismo sin fondo. El dar significado a la existencia, es el reto del hombre ante la vida y define su conexión con el universo.
Sin hacer referencia a lugares específicos transformándolo en un ámbito de diálogo, encontramos en la mirada de Vanessa Velib, signos que pertenecen a los códigos de uso más generalizado: al alfabeto cuando el grosor suculento del empaste sugiere la materia, donde las composiciones, invitan al goce sensual del tacto, elemento fundamental y constante en su obra.
Velib establece una comunión con la naturaleza, rechaza convencionalismos y descubre un lenguaje personal para alcanzar su objetivo, su gusto por la saturación del color, grosor y contornos marcados, creando una red de formas significativas por si mismas.
Hay un tratamiento veloz, violento, apremiante de cambio y metamorfosis. Pintura conocida como “all over”, sin idea previa de composición, sin diferencia entre figura y fondo; en la que cada elemento se confunde con el todo en un espacio sin zonas neutras o vacías. Se distinguen pinceladas rápidas, empastes y franjas anchas de color integradas en diversas direcciones; confirmando el interés de la artista por sugerir-más que la experiencia de la naturaleza- la naturaleza misma del acto de pintar.
Encontramos en su obra ecos del Expresionismo Abstracto ya que mantiene correspondencias estilísticas con Gorky, Pollock, Motherwell, Rothko y Kline quienes manifiestan los estados improvisados del inconsciente, a través de pinceladas y chorreados. En esta gestualidad, Velib seduce de manera definitiva la importancia del movimiento abstracto proponiendo una materialidad generosa donde construye un centro de gravedad dado por el suntuoso color que lo sostiene como metáforas visuales.
Relacionada con el “action painting” Vanessa Velib re-visita con una insólita libertad de formas y colores, los empastes y rasguños, los objetos o sujetos que incorpora a sus composiciones las cuales aparecen como cuerpos en una continua metamorfosis.
Redefinir la conversación y dar un paso más allá, transformándolo en un ámbito de diálogo, pero también de conflicto, entre artistas que compartirán espacio, cara a cara, bajo el subyugante y enigmático título de esta muestra. Esta muestra marcará una zona diferenciada de simbiosis, estímulo, contacto y fricción.
En el Umbral de la Catástrofe es una propuesta estética-política en donde los artistas se comprometen con la profunda problémática que nos aqueja: el cambio climático.
Estos artistas proponen una mirada a las formas ancestrales destacando las cosmogonías de las tradiciones orales del agua y de la tierra, así como formas de cultivo, como el arado con animales, marcando así los ritmos de la vida y de la muerte. Retoman, junto con enseñanzas de los viejos sabios, el verdadero entendimiento marcado por los astros, que resuena, como eco magnético en paisajes y marinas.
Como lenguaje plástico estos artistas abrevan de la abstracción matérica de Tápies, quien influyó de manera radical marcando un parte-aguas en la obra de Sergio Hernández, Paloma Torres, Guillermo Olguín, Guillermo Pacheco y quizá en Carlos Génova. La abstracción semi-matérica, como lenguaje, ha sido fuente de inspiración en las expresiones de estos artistas . Tal término alude, en realidad al procedimiento técnico de inclusión de materiales orgánicos en la capa pictórica, imitando el aplanado agrietado de un muro.
Encontramos en esta mirada, signos que no se prestan a la fácil lectura, pertenecen sin embargo a los códigos de uso mas generalizado: al alfabeto o a la aritmética, cuando el grosor suculento del empaste sugiere la materia, donde las composiciones matéricas, invitan al goce sensual del tacto, elemento fundamental y constante en estas obras. Estos artistas trabajan directamente la materia y pintaban con polvos orgánicos tamizados, recordando que quizá, confundirse con el polvo es la identidad profunda de todos.
¿Cuál es la propuesta? Acaso será volver a los ritmos de la tierra, a sus ecos, a sus polvos, a su materia, a su energía biológica y cósmica que marcan los balances entre el quehacer del hombre y la naturaleza. Estos artistas re-toman el péndulo como metáfora para entender el engranaje cíclico que articula la práctica pictórica. Lanzada al movimiento, esta atracción gravitacional devuelve el enfoque que los artistas en conjunto recurren a preguntas a medida que se mueve entre diversos entornos, formatos y contextos, llegando cada vez mas a respuestas abiertas.
Joachim Hildebrand comenzó su carrera como fotógrafo independiente para agencias de prensa y fotografía. Al mismo tiempo, estudió ciencias económicas en Frankfurt am Main. Tras completar su doctorado y quince años en el mundo empresarial, se dedicó a la fotografía y estudió en el Instituto Europeo di Design de Madrid, Elger Esser, Joan Fontcuberta y Martin Parr. Desde entonces ha trabajado internacionalmente en diferentes proyectos personales.
Suele retratar lugares públicos y espacios urbanos o suburbanos en los que la gente vive, trabaja o pasa su tiempo libre. Lo que parecen es el resultado de decisiones colectivas e individuales. Las personas conforman su entorno, pero al mismo tiempo, también están moldeadas por él. Está particularmente interesado en las cosas hechas por el hombre y en las intervenciones humanas en el paisaje y sus alrededores. Por lo tanto, el entorno construido siempre juega un papel importante en su trabajo.
Los Parra-Gironella es un collage familiar, una exposición donde se observan los ecos y correspondencias de un linaje. En ella se reúnen las obras de cuatro generaciones de artistas mexicanos con estéticas distintas: Manuel Parra, Alberto Gironella, Carmen Parra y Emiliano Gironella. El propósito de esta exposición es reflexionar en torno a las múltiples perspectivas generadas en sus obras donde confluye un diálogo creativo que va más allá del vínculo familiar. Algunas correspondencias compartidas entre estos artistas, deriva en su posición crítica hacia acontecimientos y personajes de la historia contemporánea, la expresividad gestual, a veces barroca, que aplican en su quehacer artístico y la estética que crean a partir del collage y el ensamblaje de formas, imágenes y objetos.
Este Performance es una obra a contra-corriente; la tauromaquia como fiesta brava es disruptiva. Por lo mismo, Manuel Gaona a través del cuerpo como medio, se da a la tarea de expresar obras de sitio y tiempo donde una estructura fluída se transforma en lenguaje y movimiento; de igual manera como registro, la fotografía y video quedan como huella, como rastro de una poética personalizada.
Al explorar ecos del body art, Gaona explora estados de transición, y se centra en los procesos de cambio: de lo concreto a lo efímero, del interior al exterior, de la oscuridad a la luz, de la vida a la muerte. Las acciones en vivo y las obras sonoras se muestran en diálogo con fragmentos de texto que fluctúan desde lo metafórico a lo literal.
El enfoque principal del trabajo de Maryam Eisler es el feminno sublime enfocado a todos los roles de las mujeres. Una juego entre luz y sombras domina su trabajo conforme retrata los paisajes y el espacio. En esta serie se sintió atraída por la relación entre Edward Weston y Tina Modotti en su aventura en Mexico. Eisler obtuvo su inspiración de una vista al hogar de Weston, donde pudo imaginar la forma como vio a Tina en la cúspide de su romance entre amor, pasión y confianza. Aquí representa como musa, colaboradora, compañera y amante, mostrándole en sus diferentes roles, una mujer magnifica en su propio derecho.
Paula Guimaraes vive y trabaja entre Costa Careyes y Lisboa. Su trabajo es conocido por la profunda conexión con los poderes shamánicos y curativos de la naturaleza.
En las culturas originarias se entiende que el saber shamánico se deriva de una epistemología en donde todo lo que existe-las piedras, los árboles, el viento, el mar, los desiertos- está vivo y tiene alma. De esta manera, todos formamos parte de una corporalidad que nos conecta y nos une. El mundo natural está lleno de vida, de espíritus curativos que nos llevan a un despertar ontológico. El canto del pájaro, el crepitar del fuego, el sonido del viento, el rugir de las olas. Esta muestra nos revela el poder shamánico de la madre tierra… Así en estos tiempos extraordinarios en que vivimos, nos parece esencial retomar esa fuerza y sabiduría milenaria..